Существовавшие ранее художественные стили - барокко и классицизм - определяли развитие всей культуры. Характерная же черта XIX в. — смешение стилей.

Жизнь и общество очень быстро менялись — и творческие люди не моглит не реагировать на это. Развитие образования, распространение грамотности - способствовали тому, что достижения культуры становились доступными для всё более широкого круга людей.

На рубеже XIX и XX вв. появляется художественный стиль - модернизм.

Модернизм — это стиль в искусстве, характеризующийся разрушением устоявшихся представлений, традиционных идей, форм ижанров. Поиск новых способов восприятия и отражения действительности.

Понятия, которые входят в понятийный комплекс модернизма:

- Авангардизм (фовизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм, абстракционизм, дадаизм, сюрреализм).
- Интерес к внутреннему миру, отход от реального изображения мира в пользу символизма и метафоры.
- Разочарование в идеалах прогресса и цивилизации.

В конце XIX века начинается эпоха массовой культуры. Её отличительными чертами стали упрощённость, широкое распространение, коммерческая выгода.

Наблюдается постепенное угасание традиционной народной культуры. Она медленно уходит в прошлое, по мере того как из-за урбанизации сокращался сельский мир.

«Низы» городов XIX в. были уже грамотны, но малообразованны. Именно на «низы» ориентировалась массовая культура с её упрощённым видением мира.

Эта культура была призвана развлекать. Она создавала произведения, которые можно было продавать большому количеству потребителей.

Классицизм вошёл в культуру XIX в. в качестве наследия предыдущего столетия Просвещения.

Особенно долго он сохранялся в архитектуре и изобразительном искусстве. Академии художеств по всей Европе воспитывали целые поколения художников на канонах классицизма.

В основе классицизма лежал рационализм, вера в то, что мир устроен разумно, а все его недостатки могут быть исправлены силой человеческого разума. Разумно — значит ясно, стройно, гармонично.

Классицизм стремился к идеальным пропорциям и формам, часто равняясь на античные образцы. В начале XIX в. классицизм принял форму ампира, т. е. имперского стиля, распространившегося в Европе под влиянием Наполеона I.

Ампир был призван подчёркивать силу и военную мощь государства. Примером может служить арка Каррузель в Париже.

Живопись также уделяла особое внимание требованиям правильной композиции и античным мотивам.

В музыке господствовала ясность форм и совершенство композиции. Венцом нескольких веков музыкального развития являлись творения венских классиков — Гайдна, Моцарта и Бетховена.

Классицизм верил в человека и старался воспитать в нём чувство прекрасного. Но, как говорил французский писатель Стендаль, изображая тела, искусство классицизма не было способно передать душу. И именно душа стала главной темой для романтизма.

В отличие от классицизма, романтизм был порождением XIX века.

Обращаясь к личности человека, романтики заново открыли мир человеческих чувств.

Центральной фигурой литературы был романтический герой. Он бросает вызов обществу. Таков, например, Чайльд-Гарольд в произведении Байрона.

Яркими представителями романтизма являлись также Виктор Гюго, Адам Мицкевич и др.

Художники отражали самые разные грани романтического видения мира. Картина ведущего представителя французского и европейского романтизма Эжена Делакруа «Свобода, ведущая народ» стала наиболее полным отражением бунтарских и героических мотивов французского романтизма.

В архитектуре влияние романтизма проявилось в популярности готического стиля. Особенно популярной неоготика стала в Англии, где возникли такие её шедевры, как здание парламента (Чарльз Берри) и мост Тауэр-бридж (Хорас Джонс).

В 1831 г. Виктор Гюго написал знаменитый роман «Собор Парижской Богоматери», одной из целей которого было привлечь внимание к пришедшему в упадок зданию и спасти этот и другие средневековые соборы.

Стремясь передать их тончайшие оттенки, композиторы обратились к небольшим музыкальным формам — ноктюрнам, этюдам, экспромтам, непревзойдёнными мастерами которых были Шуберт, Лист, Шопен.

Другую сторону романтизма — бурную, героическую — отражали оперы, основой для которых часто служили произведения писателей-романтиков. Крупнейшей фигурой мирового оперного искусства являлся итальянский композитор Джузеппе Верди, оставивший нам такие шедевры, как «Риголетто», «Трубадур» и «Травиата».

В отличие от романтизма, который избегал действительности, реализм стремился ее показать. Именно в творчестве реалистов демократизация искусства проявилась ярче всего. Бедность, тяжёлый труд, социальные пороки — все эти темы, слишком «низкие» для классицизма и слишком прозаические для романтизма, оказались в центре их произведений.

Реалисты часто выступали как критики современного им общества. Чарльз Диккенс в романе «Домби и сын», Оноре де Бальзак в «Гобсеке» - изображали поглощённых жаждой наживы дельцов, не знающих жалости и сострадания.

Классицизм надеялся улучшить человека и общество, показывая им идеал, т. е. то, какими они должны стать. Реалисты же шли противоположным путём, но всё с той же надеждой на лучшее: демонстрируя общественные пороки и болезни, они заставляли людей задуматься об их излечении.

Тема взаимоотношений личности и общества стала одной из главных и у писателей реализма.

Художники-реалисты отказывались и от идеализации человека в духе классицизма, и от фантазий романтизма.

Весной 1874 г. на одной из художественных выставок в Париже был выставлен пейзаж «Впечатление. Восход солнца». Работу публика не приняла, осмеяв ее как неумелую и наивную мазню.

Но именно эта работа дала название новому художественному движению - импрессионизму (англ. - impression - впечатление).

Художники-импрессионисты Эдуард Мане, Клод Моне, Эдгар Дега, Огюст Ренуар и другие изображали мгновения, летучие впечатления, перемены настроения. Тем самым они передавали ощущение постоянно менявшегося мира.

Импрессионисты не были бунтарями, восставшими против академического искусства, но противопоставляли себя академизму. Сюжеты их творчества - обычная жизнь и ни на что не похожая техника живописи.

В работах импрессионистов вместо обычного и реального — приходит единичное, уникальное, рождённое «случайностью взгляда». И вот что особенно важно: техника живописи импрессионистов нарушала предметность отображаемого объекта — его цвет зачастую оказывался не таким, каким он был на самом деле.

Это был первый шаг на пути к абстрактному искусству.

Сиюминутного впечатления, как у импрессионистов, этим художникам было уже недостаточно.

Фигуры на картинах Гогена — из реального мира, они вполне узнаваемы, но их формы упрощены: так художник стремился подчеркнуть не видимое, а суть предмета.

Следующий шаг сделал Сезанн. Меняется само понимание живописи, в её центре уже не предмет, а видение этого предмета художником. Теперь было совершенно не важно, существует ли сходство между рисунком и той реальностью, которую он отображает.

Художники - постимпрессионисты Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Поль Сезанн.

Предметность продолжала уходить из живописи и в последующие времена. Появившиеся в начале ХХ в. экспрессионисты (от лат. «выражение») стали изменять не только цвет, но и форму изображаемого предмета.

Грубые штрихи и яркие цветовые контрасты служили средством выражения субъективных ощущений. Революционным движением в живописи являлся кубизм, основоположником которого был Пабло Пикассо.

Художники-кубисты отказались от классических принципов перспективы и композиции, располагая рядом далёкие и близкие предметы, позволяя им налагаться и взаимопроникать друг в друга. Логическим завершением всех этих процессов стало появление полностью беспредметной, или абстрактной живописи.

В 1910—1911 гг. русский художник Василий Кандинский пишет первые совершенно беспредметные произведения. Тем самым радикальным образом менялся сам взгляд на проблему соотношения искусства и реальности.

Искусство отныне не отражало действительность, а создавало свою собственную реальность.

К концу XIX века реализм в литературе как единая школа столкнулся с кризисом.

Одни писатели и художники стали стремиться довести до идеала реалистичность своих произведений, другие, наоборот, от неё отходили.

Первые создали направление натурализма, стремившегося к фотографически точному её отображению.

Представителями этого направления в литературе были француз Эмиль Золя, немецкие писатели - Томас Манн и Генрих Манн, американец Теодор Драйзер.

Другая часть литературы шла по пути, очень похожему на тот, по которому развивалось изобразительное искусство, — она уходила от предметности.

Ярче всего подобный подход проявился в символизме. Поэты-символисты предпочитали иметь дело со скрытыми в ней идеями и с собственным «я».

Именно в творчестве символистов ярче всего проявилось декадентство (упадничество) — собирательное название для звучавших в обществе и литературе настроений пессимизма, меланхолии, ощущения упадка.

Разительным контрастом к подобным настроениям выступала литература неоромантизма и футуризма. Неоромантизм дал нам приключенческие романы —«Острова сокровищ» шотландца Роберта Стивенсона, отважных бойцов Джека Лондона, Маугли Ридъярда Киплинга, Шерлока Холмса Артура Конан Дойла.

Их героями были сильные личности всегда готовые к борьбе. Особенно мощно мотивы силы, борьбы, насилия звучали в творчестве футуристов (от лат. «будущее»). Футуризм распространился в Италиии имел последователей в России (Владимир Маяковский и др.).

Музыка, как и другие виды искусства, всё больше уходила от правил.

Клод Дебюсси, крупнейший представитель музыкального импрессионизма, создавал целые картины, буквально «написанные» музыкой, используя отдельное созвучие, как художники-импрессионисты — яркий мазок. Большое влияние на творчество Дебюсси оказали русские композиторы — он был насквозь "пропитан" Мусоргским.

Однако ведущим направлением в музыке оставался романтизм. В творчестве немца Рихарда Вагнера, автора оперного цикла «Кольцо нибелунга», реализовывалась идея «совокупного произведения искусства», которая подразумевала синтез музыки, поэзии и театрального действия.

На рубеже веков опера испытала на себе влияние натурализма: как и в литературе, композиторы пытались показать подлинную действительность — бедность, страдания, яркий мир чувств простых людей. Таковы оперы итальянцев Джакомо Пуччини («Тóска», «Богема») и Руджеро Леонкавалло «Пая́цы».

Все творцы хотели творить новое искусство. Так возник стиль модерн.

Это был новый индустриальный мир. Огромные города с толпами народа, дымящие фабрики, исчезающие леса. Художники-модернисты хотели вернуть уходящую красоту.

Классический пример — парижское метро, оформленное Гимаром.

Один из символов технического прогресса превращался в художественный объект, приобретал эстетическую ценность.

Всё что угодно — дом, стул, лампа, ложка - должно быть красивым — это один из основных подходов стиля модерн.

Для модерна в романских странах были характерны причудливо изогнутые линии. Выдающийся испанский архитектор Антонио Гауди говорил: «Прямая — это линия людей, а кривая — Господа».

Россия была вовлечена в европейский культурный оборот, как никогда ранее. Самый яркий пример — начавшиеся с 1908 г. знаменитые Русские сезоны Сергея Дягилева, производившие настоящий фурор в Париже.

К выставкам, концертам, балетным и оперным постановкам был привлечён не только цвет русской культуры (композитор Игорь Стравинский, «лучший бас ХХ века» Федор Шаляпин, легенда классического балета Анна Павлова и др.), но и выдающиеся деятели искусства со всей Европы — художники Пабло Пикассо и Анри Матисс, композиторы Морис Равель и Клод Дебюсси.

Тесными были связи русских театральных и музыкальных деятелей со знаменитой французской кутюрье Коко Шанель.

Невероятным успехом по всей Европе пользовалась русская литература. Русская классика считалась в Европе «прорывной», русские писатели (Л. Толстой, И. Тургенев, Ф. Достоевский, А. Чехов) буквально «взламывали» психологический мир европейца. Русские писатели были одновременно европейцами и носителями другой культуры, другой системы ценностей.