С изменением экономической и социально-политической сторон жизни средневекового общества оказалось связано и возникновение новой европейской культуры, родиной которой стала Италия, прежде всего ее северные районы, где находились крупнейшие торговые и промышленные города-республики: Генуя, Венеция, Флоренция, Милан. Эпоха Возрождения в широком понимании означает новый образ жизни й новое мировоззрение, характерной чертой которых становится светское начало. Человек словно просыпался от глубокого сна, начинал чувствовать прелесть жизни.

Все это приводит к существенным изменениям в художественном мировоззрении. Установилось новое отношение к искусству как особой области человеческой деятельности, которая не исчерпывается религией. Ренессансный гуманизм выдвинул идею самостоятельности человеческого мира, существующего наряду с небесным и ангельским. Неизмеримо возрастает роль художника, который начинает сравниваться с Творцом. Сами художники ставят своей целью подражание природе, считая при этом, что искусство даже выше природы. Сфера творчества постепенно освобождается от церковной идеологии: все больше ценится техническое мастерство, профессиональная самостоятельность, ученость, острый художественный взгляд на вещи и умение создавать «живое» и отнюдь не сакральное произведение искусства.

Меняются представления о человеке, его месте и роли в природе и обществе. Идеалом личности новой эпохи становится человек хорошо развитый физически и умственно, обладающий сильной волей, отвагой и предприимчивостью. Человек новой эпохи стремится к духовной свободе; средневековый аскетизм вытесняется радостью бытия, свободой творчества, проявлением индивидуальности. На смену вере приходит знание, основанное на практическом опыте.

Однако наиболее полно эстетико-художественный идеал Возрождения выразили архитектура, скульптура, живопись. Отметим, что в системе искусств в этот период происходит перемещение акцентов. Архитектура перестала быть «дирижером» оркестра искусств. На первый план выходит живопись. И это не случайно. Искусство Возрождения стремилось познать и отобразить реальный мир, его красоту, богатство, разнообразие.

Соединение ученого и художника в одном лице, в одной творческой личности было возможно в эпоху Ренессанса и станет невозможным позднее. Мастеров Возрождения часто называют «титанами», имея в виду их универсальность.

Возрождение делят на 4 этапа:

•  Проторенессанс (2-я половина XIII века — XIV век)

•  Раннее Возрождение (начало XV — конец XV века)

•  Высокое Возрождение (конец XV — первые 20 лет XVI века)

•  Позднее Возрождение (середина XVI — 90-е годы XVI века)

Живопись этого периода производит скульптурное впечатление, фигуры на картинах художников напоминают статуи. И это не случайно. Мастера Раннего Ренессанса стремились восстановить предметность мира, который почти исчез в средневековой живописи, подчеркивая объемность, пластичность, четкость формы. Проблемы колорита отступали на второй план. Художники XV века открывают законы перспективы и строят сложные многофигурные композиции. Однако они ограничиваются главным образом линейной перспективой и почти не замечают воздушной среды. И архитектурные фоны в их картинах несколько похожи на чертеж.

Первым кто сделал шаг к искусству нового типа, был Джотто ди Бондоне, флорентийский живописец. Первым начал рисовать людей с натуры, ввел в композицию реальные предметы, заменил технику мозаики на технику фрески (живопись по сырой штукатурке), что позволяло с большей определенность передавать объем, кроме того фреска позволяла быстрее создавать многофигурные композиции. Джотто нарушил традицию плоскостного изображения, его фигуры помещены не на золотом фоне, а на фоне пейзажа или в интерьере. Следует также отметить, что при работе над фресками художник уделял особое внимнеи показу душевного состояния героев.

«Настоящий переворот в живописи» суждено было совершить художнику Мазаччо (1401-1428). Мазаччо стремился к построению пространства по законам перспективы – системы изображения предметного мира на плоскости в соответствии с особенностями их зрительного восприятия человеком. Мазаччо передавал впечатления глубины и трехмерности пространства, а также реальные объемы на плоскости. Художественные открытия Мазаччо не ограничивались только освоением перспективы. Его привлекало изображение окружающего мира, подражание естественной природе.

Мазаччо. Чудо со статиром.

Сандро Боттичеллли. Рождение Венеры

В Высоком Ренессансе геометризм, присущий Раннему Возрождению, не кончается, а даже углубляется. Но к нему прибавляется нечто новое: одухотворенность, психологизм, стремление к передаче внутреннего мира человека, его чувств, настроений, состояний, характера, темперамента. Разрабатывается воздушная перспектива, материальность форм достигается не только объемностью и пластикой, но и светотенью. Искусство Высокого Возрождения полнее всего выражают три художника: Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело. Они олицетворяют главные ценности итальянского Возрождения: Интеллект, Гармонию и Мощь.

Леонардо да Винчи (1452—1519) был живописцем, скульптором, архитектором, писателем, музыкантом, теоретиком искусства, военным инженером, изобретателем, математиком, анатомом, ботаником. Он исследовал почти все сферы естествознания, предугадал многое, о чем в то время еще не помышляли. Когда стали разбирать его рукописи и бесчисленные рисунки, в них обнаружили открытия механики XIX века.

Леонардо в картине «Мадонна в гроте» положил начало чрезвычайно распространенной в живописи Высокого Возрождения пирамидальной композиции. Все фигуры как бы вписаны в равнобедренный треугольник, вершина которого совпадает с головой Марии. Все композиции его мадонн («Мадонна Бенуа», «Мадонна Литта», «Мадонна с гвоздикой») представляют собой такую замкнутую пространственную пирамиду, в которую точно вписываются фигуры. И, наконец, Леонардо да Винчи создал новую манеру живописи - невесомую световоздушную среду, смягчающую контуры. Для этого он помещал источник света спереди и сзади фигуры, и взаимодействие двух противоположных потоков света не позволяло светотени «растекаться» лишь в одном направлении, а приводило к ее рассеянию на формах, порождая эффект едва уловимой дымки, окутывающей фигуру и названной им сфумато. И это было не просто гениальное умение передавать волшебство светотеней, это было открытие новой красоты.

Леонардо Да Винчи. Мадонна в гроте, Мадонна Литта, Мадонна с гвоздикой

В Милане он написал «Тайную вечерю», фреску в трапезной доминиканского монастыря Санта Мария делла Грация. Леонардо выбрал для изображения момент после роковых слов Иисуса «Один из вас предаст меня». Вместо религиозного таинства художник передал драму человеческих чувств, психологическое состояние каждого апостола, пораженного словами Учителя в самое сердце. Леонардо создал в «Тайной вечере» самую умную, законченную и полную иллюстрацию этих слов. Но основной смысл композиции состоит в ее поразительной взаимосвязи с пространством интерьера Леонардо, которого называли «фанатиком зрения», довел «пространство» фрески до иллюзорного продолжения реальной комнаты. Преувеличив для слишком тесного помещения трапезной масштабы фигур, он добился тем самым ощущения величия и значимости происходящего.

Леонардо да Винчи. Тайная вечеря

Микеланджело Буонарроти (1475—1564) — другой великий мастер эпохи Ренессанса, человек разносторонний, универсальный: скульптор, архитектор, художник, поэт. Поэзия была младшей из микеланджеловских муз. До нас дошло свыше 200 его стихотворений. Крупнейшей живописной работой Микеланджело явился «Страшный суд», написанный на алтарной стене Сикстинской капеллы. Религиозную тему Микеланджело воплотил как человеческую трагедию космического масштаба. И хотя сама тема призвана олицетворять торжество справедливости над злом, фреска воспринимается как образ вселенской катастрофы, как воплощение идеи крушения мира. Микеланджело отступил от традиционной иконографии, выбрав не момент свершения суда, когда грешники уже отделены от праведников, а только его начало, когда все действующие лица охвачены смятением. Сидящий Христос, с ликом страшным и грозным, обращается к грешникам, проклиная их и повергая в трепет даже святых и Богоматерь, закутавшуюся в плащ. Художник изобразил бесчисленное множество святых мужей и жен, а на бесформенно свисающей коже св. Варфоломея, держащего ее в руке, Микеланджело изобразил в виде искаженной маски свое собственное лицо. Микеланджело размахом и мощью живописи «Страшного суда» не только оправдал слова Данте «Мертвые там мертвы, живые совсем как живые», но и показал, что победил не только великих художников, работавших в Сикстинской капелле, но и самого себя в росписи плафона.

Микеланджело. Страшный суд

Рафаэль Санти ( 1483—1520) — не только талантливый, но и разносторонний художник: архитектор и монументалист, мастер портрета и мастер декора. В движениях рук «Сикстинской мадонны», несущей младенца, чувствуется инстинктивный порыв матери, прижимающей к себе ребенка, и вместе с тем - ощущение того, что он ей не принадлежит, она несет его в жертву людям. Взгляд Мадонны не фиксирован и трудно уловим, но в нем угадывается то выражение, которое появляется у человека, когда ему вдруг открывается его судьба. Мадонна словно предвидит трагическую участь сына. Во фреске «Афинская школа» Рафаэль представил собрание античных мыслителей и ученых в грандиозной анфиладе величественных арочных пролетов, навеянных проектом собора св. Петра. Фреска «Парнас» была написана на узкой боковой стене с широким прямоугольным окном посередине, которое Рафаэль гениально обыграл, поместив вершину Парнаса над, а склоны холма -- по сторонам проема. На вершине Парнаса изображен Аполлон, вдохновенно играющий на виоле, в окружении муз и великих поэтов древности Гомера, Сафо, Вергилия, Горация, Плавта, Данте, Петрарки и др.

Рафаэль. Афинская школа

Понятие поздний Ренессанс обычно применяется к венецианскому Возрождению. Только Венеция в этот период (вторая половина XVI в.) оставалась самостоятельной, остальные итальянские княжества утратили свою политическую независимость. Возрождение к Венеции имело свои особенности. Она мало интересовалась учеными изысканиями и раскопками античных древностей. Ее Ренессанс имел другие истоки. Венеция издавна поддерживала тесные торговые связи с Византией, арабским Востоком, торговала с Индией. Переработав и готику, и восточные традиции, Венеция выработала свой особый стиль, для которого характерны красочность, романтическая живопись. У венецианцев на первый план выходят проблемы колорита, материальность изображения достигается градациями цвета. Крупнейшие венецианские мастера Высокого и позднего Возрождения — это Джорджоне (1477—1510), Тициан (1477—1576), Веронезе (1528—1588), Тинторетто (1518—1594).

Тициан (1476/77 или 1489/90-1576) был виднейшим представителем венецианской школы живописи. Тициан создал целую серию полотен, проникнутых чувственным, «языческим» началом, воспевающих женскую красоту. Картины подобного рода сам художник называл «поэзиями». Эту серию, куда вошли «Диана и Актеон» , «Венера и Адонис» , «Даная» , «Флора» , «Сизиф» , художник обозначил как поэтическую мечту, чарующую сказку, песню о красоте и счастье, уводящую от трагических конфликтов реальной жизни. Совершенно другой эмоциональной тональностью окрашены картины на евангельские сюжеты, характерные для эпохи контрреформации. Это «Положение во гроб», «Коронование терновым венцом», «Святой Себастьян», «Оплакивание Христа». Тема страдания прекрасного человека является лейтмотивом этой серии картин. На них и Христос, и св. Себастьян представлены как мужи, наделенные всеми чертами физического и нравственного превосходства над своими мучителями, но они повержены в неравной борьбе и отданы на поругание.

Тициан. Сизиф. Флора

Паоло Кальяри (1528-1588), прозванный по месту рождения Веронезе любил многолюдные композиции, насчитывающие до двухсот фигур. И от этого «Пир в доме Левия», «Брак в Кане», «Семейство Дария перед Александром Македонским» создают впечатление грандиозного театрального действа. «Брак в Кане» содержит до 130 персонажей, многие из которых узнаваемы. Веронезе в группе гостей изобразил султана Сулеймана I и Карла V, а среди музыкантов поместил портреты Тициана, Якопо Бассано, Тинторетто и самого себя.

Паоло Кальяри. Пир в доме Левия

Паоло Кальяри. Брак в Кане.

«Голгофа» Якобо Робусти или Тинторетто (1518-1594) - это целый мир трагического движения, в котором отдельные люди и даже всадники теряются как песчинки в пустыне. Тинторетто первый в искусстве своего времени создаст образ толпы. До него и в «Афинской школе» Рафаэля, и в «Тайной вечере» Леонардо да Винчи изображались группы людей, но это была совокупность отдельных личностей, вступивших в определенное взаимодействие. Восприятие единой людской массы как живого целостного организма-образа появилось только вместе с полотнами Тинторетто. На картине «Христос перед Пилатом» мы видим один из лучших образов Христа в мировом искусстве. Христос представлен художником одиноким и спокойным, в белой одежде среди сгущающейся над ним горячей тьмы.

Тинторетто. Голгофа

Своеобразный характер имело северное Возрождение (Германия, Нидерланды, Франция). Северный Ренессанс запаздываетпо отношению к итальянскому на целое столетие и начинается тогда, когда Италия вступает в высшую стадию своего развития. Немецкие художники — мастера пейзажа А. Дюрер, А. Альтдорфер, Л. Кранах изображали величественность, мощь, красоту природы, передавали ее одухотворенность.

Иероним Босх (ок. 1460 - 1516). Во многих своих произведениях развивал тему земной жизни, в которой царят людская глупость и грех. Таковой является картина «Корабль дураков» . По морю житейской суеты без руля и без ветрил плывет корабль. Мачта корабля давно уже поросла пышной кроной, и в ней поселилась то ли слепая сова – олицетворение человеческой глупости, - то ли смерть в виде черепа, напоминающего о бренности человеческой жизни. Здесь нашли себе пристанище беспросветные гуляки, сварливые жены, ловкие шарлатаны и шуты.

 

Альбрехт Дюрер (1471—1528) — основатель и крупнейший представитель немецкого Возрождения, «северный Леонардо да Винчи», создал несколько десятков картин, более ста резцовых гравюр, около 250 гравюр на дереве, много сотен рисунков, акварелей. Всю жизнь Дюрер размышлял о тайнах бытия, пытался разгадать загадки природы. Свои знания он черпал из живой натуры, именно она вдохновляла его на создание многих произведений. Он приносил домой жука, долго и пристально изучал его строение через лупу, а потом писал его акварелью и тушью. Дюрер был и теоретиком искусства, первым в Германии создав труд о перспективе и написав «Четыре книги о пропорциях». Эти примеры можно было бы продолжить. Таким образом, универсальность, разносторонность, творческая одаренность была характерной чертой мастеров Ренессанса. Второй жанр, который получил развитие в искусстве северного Возрождения — это портрет. Самостоятельный портрет, не связанный с религиозным культом, возник в Германии в последней трети XV столетия. Эпоха Дюрера (1490—1530) стала временем его замечательного расцвета. Итальянские художники в своем преклонений перед человеком создавали идеал красоты. Немецкие художники были безразличны к красоте, для них главное — передать характер, добиться эмоциональной выразительности образа, иногда — в ущерб идеалу, в ущерб красоте.

Третий жанр, который возник и получил развитие, прежде всего в Нидерландах — это бытовая картина. Крупнейший мастер жанровой живописи — Питер Брейгель-старший. Он писал достоверные сцены из крестьянской жизни, и даже библейские сюжеты он помещал в деревенскую обстановку Нидерландов того времени. Нидерландских художников отличала необычайная виртуозность письма, где любая мельчайшая подробность изображалась с крайней тщательностью. Такая картина очень увлекательна для зрителя: чем больше ее разглядываешь, тем больше находишь там интересных вещей. Картину «Нидерландские пословицы» можно воспринимать как своеобразную энциклопедию жизни народа, рассмотренную под сатирическим углом. Более ста пословиц, особенно популярных в народе, зрительно воспроизвел здесь Брейгель, многие из них позволяют художнику высмеять людские пороки.

Питер Брейгель-страший. Нидерландские пословицы

Давая сравнительную характеристику итальянского и северного Возрождения, следует выделить еще одно существенное различие между ними. Итальянскому Возрождению присуще стремление к восстановлению античной культуры, стремление к раскрепощению, освобождению от церковных догм, к светской образованности. В северном Возрождении главное место заняли вопросы религиозного совершенствования, обновления католической церкви и ее учения. Северный гуманизм привел к Реформации и протестантизму.

В художественной культуре Возрождения одно из ведущих мест занимает архитектура. Ренессанс ознаменовал новую стадию в ее развитии. Характерными особенностями архитектуры в этот период становятся: увеличение масштабов гражданского, светского строительства, изменение характера монументальной, культовой архитектуры — вертикализм, устремленность вверх, присущие готике Средневековья, сменяются новыми формами, развивающимися в ширину. Масштабной мерой сооружений становится человек.

Первым архитектурным произведением Возрождения стало здание Воспитательного дома во Флоренции, спроектированное в 1421 г. основоположником архитектуры итальянского Ренессанса Филиппо Брунеллески (1377-1446). Это строение существенно отличалось от готических построек средневекового периода и носило черты нарождавшегося нового стиля. Большое значение для всего последующего развития архитектуры имела разработка и постройка самого крупного в Европе купола над флорентийским собором Санта-Мария дель Фьоре (его диаметр — 42 м).

Основоположником Высокого Возрождения в архитектуре стал Донато Браманте (1444—1514), а самым крупным его творением — проект грандиозного сооружения эпохи Ренессанса — собора св. Петра . Он явился одним из высших достижений архитектуры Возрождения. Строительство началось в 1506 г. и продолжалось до смерти архитектора. Продолжил работы Рафаэль Санти, а после него Антонио да Сангалло. В 1546 г. строительство перешло в руки Микеланджело, который разработал новый вариант проекта. К моменту его кончины (1564) сооружение собора в основном было завершено.

Собор Святого Петра в Риме

Характер и содержание новой эпохи разносторонне выразила литература. Первые ростки гуманистической идеологии нашли свое отражение в творчестве Данте, «последнего поэта Средних веков и первого поэта Нового времени». Данте Алигьери (1265 – 1321 гг.), Джованни Боккаччо (1313 – 1375 гг.) и Франческо Петрарка (1304 – 1374) – крупнейшие писатели итальянского Возрождения. По характеру творчества, тематике, жанрам – все они абсолютно разные. В истории мировой литературы каждое из этих имен связывается с одним, главным произведением: Данте – с «Божественной комедией», Боккаччо – с «Декамероном», Петрарка – со стихами, посвященных Лауре.

Эпоха Возрождения стала временем высочайшего расцвета во всех областях культуры стран Западной и Центральной Европы.Жажда знаний стала великой страстью эпохи. Энергия людей, раскрепощенных социально и духовно, обратилась на создание нового, при этом сами творцы были разносторонне развитыми людьми, что соответствовало гуманистическому идеалу.

Вопросы для повторения:

1. Расскажите о художественных реформах Джотто ди Бондоне
2. Почему Собор Санта-Мария дель Фьоре называют «Флорентийским чудом» Ф. Брунеллески?
3. Расскажите о гениальных находках Леонардо да Винчи
4. Каковы характерные черты венецианской живописи конца XV - первой половины XVI вв.?

---

После знакомства с представленными материалами необходимо выполнить проверочные и контрольные задания, представленные здесь же. В случае необходимости, контрольные материалы отсылаются на электронную почту преподавателя по адресу: cherenova.ts@yandex.ru