Множественность художественных направлений в XIX веке была следствием процесса модернизации. Художественная жизнь общества теперь определялась не только церковным диктатом и модой придворных кругов. Изменение  социальной структуры повлекло за собой изменение восприятия искусства в обществе: возникают новые социальные слои состоятельных и образованных людей, способных самостоятельно оценивать произведения искусства, ориентируясь только на требование вкуса. Именно к XIX веку начинает формироваться массовая культура; газеты и журналы из номера в номер печатавшие длинные романы с занимательным сюжетом, стали прообразом телевизионных сериалов в искусстве XX века.

В первой половине XIX столетия в Европе развернулось невиданное по размаху градостроительство. Большинство европейских столиц — Париж, Санкт-Петербург, Берлин — обрели свой характерный облик; в их архитектурных ансамблях усилилась роль общественных зданий. Символом Парижа стала знаменитая Эйфелева башня, построенная в 1889 г. к открытию Всемирной выставки. Эйфелева башня продемонстрировала технические возможности нового материала – металла. Однако оригинальное художественное решение было признано не сразу, башню призывали снести, называли чудовищной.
Неоклассицизм в первой половине XIX в. пережил поздний расцвет, теперь он получает название ампир (от франц. «империя»), этот стиль выражал величие империи созданной Наполеоном. К середине столетия основной проблемой европейского зодчества стали поиски стиля. Вследствие романтического увлечения стариной многие мастера попытались возродить традиции архитектуры прошлого — так возникли неоготика, неоренессанс, необарокко. Усилия зодчих нередко приводили к эклектизму — механическому соединению элементов разных стилей, старого с новым.

В художественной жизни первой половины XIX века преобладал романтизм, отразивший разочарование в идеологии Просвещения. Романтизм стал особым мировоззрением и образом жизни. Романтический идеал личности, не понятой обществом, формирует манеру поведения его высших слоев. Для романтизма характерно противопоставление двух миров: реального и воображаемого. Реальная действительность рассматривается как бездуховная, негуманная, недостойная человека и противостоящая ему. «Прозе жизни» реального мира противопоставляется мир «поэтической реальности», мир идеала, мечты и надежды. Видя в современной ему действительности мир пороков, романтизм пытается найти выход для человека.  Этот выход – одновременно и уход от общества в разных вариантах: герой уходит в свой собственный внутренний мир, за пределы реального пространства и уход в другое время. Романтизм начинает идеализировать прошлое, в особенности Средневековье, видя в нем инею реальность, культуру, ценности.


Главой французского романтизма в живописи суждено было стать Эжену Делакруа (1798-1863). Неистощимое воображение этого художника создало целый мир образов, до сих пор, живущих на полотне своей напряженной, полной борьбы и страстей жизнью. Делакруа нередко черпал мотивы в произведениях Уильяма Шекспира, Иоганна Вольфганга Гёте, Джорджа Байрона, Вальтера Скотта, обращался к событиям Великой французской революции, другим эпизодам национальной истории («Битва при Пуатье»). Делакруа запечатлел многочисленные образы людей Востока, главным образом алжирцев и марокканцев, которых он видел во время своего путешествия в Африку. В произведении «Резня на острове Хиос» (1824) Делакруа отразил борьбу греков против турецкого владычества, волновавшую тогда всю Европу. Группе страдающих пленных греков на переднем плане картины, среди которых и обезумевшая от горя женщина, и ребенок, ползущий к груди мертвой матери, художник противопоставил надменные и жестокие фигуры карателей; вдали виден горящий разрушенный город. Картина поразила современников и захватывающей силой человеческих страданий, и своим необычайно смелым и звучным колоритом.

События Июльской революции 1830 г., закончившиеся поражением революции и восстановлением монархии,  вдохновили Делакруа на создание широко известной картины «Свобода на баррикадах» (1830). Женщина, поднявшая трехцветное знамя Французской республики, олицетворяет свободу. Образ свободы на баррикадах 0 олицетворение борьбы.


Представителем романтизма с мировым именем был испанский художник Франциско Гойя (1746–1828) Гойя сложился в крупного художника сравнительно поздно. Первый значительный успех ему принесли две серии (1776—1791) многочисленных гобеленов, созданных для Королевской мануфактуры Санта Барбара в Мадриде («Зонтик», «Слепой гитарист», «Продавец посуды», «Игра в жмурки», «Свадьба»). В 90-х гг. XVIII века в творчестве Гойи нарастают черты трагизма, неприязнь к феодально-клерикальной Испании «старого порядка». Уродство ее моральных, духовных и политических основ Гойя раскрывает в гротескно-трагической форме, питающейся фольклорными истоками, в большой серии офортов «Капричос» (80 листов с комментариями художника); смелая новизна художественного языка, острая выразительность линий и штрихов, контрастов света и тени, соединение гротеска и реальности, аллегории и фантастики, социальной сатиры и трезвого анализа реальности открывали новые пути развития европейской гравюры. В 1790-х – начале 1800-х годов исключительного расцвета достигло портретное творчество Гойи, в котором звучат тревожное чувство одиночества (портрет сеньоры Бермудес), мужественное противостояние и вызов окружающему (портрет Ф.Гиймарде), аромат тайны и скрытой чувственности («Маха одетая» и «Маха обнаженная»).  С удивительной силой обличения запечатлел художник надменность, физическое и духовное убожество королевской семьи в групповом портрете «Семья Карла IV». Глубоким историзмом, страстным протестом проникнуты большие картины Гойи, посвященные борьбе против французской интервенции («Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде», «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года»), философски осмысляющая судьбы народа серия офортов «Бедствия войны» (82 листа, 1810–1820).

Франциско Гойя "Капричос"

Если в литературе субъективность восприятия художника открывает символизм, то в живописи подобное открытие совершается импрессионизмом.  Импрессионизм (от фр. impression - впечатление) - направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Художественная концепция импрессионизма строилась на стремлении естественно и непринужденно запечатлеть окружающий мир в его изменчивости, передавая свои мимолетные впечатления. Благодатную почву для развития импрессионизма подготовили художники Барбизонской школы: они первыми стали писать этюды с натуры. Принцип «писать то, что видишь среди света и воздуха» лег в основу пленэрной живописи импрессионистов.
В 1860-х гг., года молодые художники-жанристы Э.Мане, О.Ренуар, Э.Дега попытались вдохнуть во французскую живопись свежесть и непосредственность наблюдения жизни, изображение мгновенных ситуаций, зыбкость и неуравновешенность форм и композиций, необычные ракурсы и точки зрения. Работа на открытом воздухе помогала создавать на полотнах ощущение сверкающего снега, богатства природных красок, растворения объектов в среде, вибрации света и воздуха. Особое внимание художниками- импрессионистами уделялось взаимоотношениям предмета с окружением, исследованиям изменения цвета и тона объекта в изменяющейся среде. В отличие от романтиков и реалистов, они уже не были склонны изображать историческое прошлое. Сферой их интересов была современность. Жизнь маленьких парижских кафе, шумные улицы, живописные берега Сены, железнодорожные вокзалы, мосты, неприметная красота сельских пейзажей. Художники больше не желают затрагивать острые социальные проблемы.

Творчество Эдуарда Мане (1832-1883) предваряло новое направление в живописи – импрессионизм, но сам художник не примкнул к этому движению,  хотя несколько изменил под воздействием импрессионистов свою творческую манеру. Мане декларировал свою программу: «Жить своим временем и изображать то, что видишь перед собой, открывая подлинную красоту и поэзию в повседневном течении жизни». При этом в большинстве работ Мане отсутствовало действие, даже минимальная сюжетная завязка. Постоянным мотивом творчества Мане становится Париж: городская толпа, кафе и театры, улицы столицы.

Эдуард Мане "Бар в Фоли-Бержер"

Эдурд Мане "Музыка в Тюильри"


Само название импрессионизма обязано своим происхождением пейзажу Клода Моне (1840-1926) «Впечатление. Восход солнца»

В творчестве Моне ведущее значение приобрела стихия света. К 70-м гг. XIX в. Относится изумительный «Бульвар Капуцинок», где брошенные на холст мазки передают и уходящую вдаль перспективу оживленной улицы, и движущийся по ней бесконечный поток экипажей, и веселую праздничную толпу.  Он писал множество картин с одним и тем же, но по-разному освещённым предметом наблюдения. Например, стог сена утром, в полдень, вечером, при луне, в дождь  и так далее.

Многие достижения импрессионизма связаны с творчеством Пьера Огюста Ренуара (1841-1919), вошедшего в историю искусства как «живописец счастья». Он действительно создавал на своих картинах особый мир пленительных женщин и безмятежных детей, радостной природы и прекрасных цветов. В течение всей жизни Ренуар писал пейзажи, но его призванием оставалось изображение человека. Он любил рисовать жанровые картины, где с поразительной живостью воссоздавал суету парижских улиц и бульваров, праздность кафе и театров, оживленность загородных прогулок и праздников под открытым небом. Все эти картины, написанные на пленэре, отличает звучность цвета. Картина «Мулен де ла Галетт» (народный бал в саду монмартского танцевального зала) - шедевр ренуаровского импрессионизма. В ней угадывается живой ритм танца, мелькание юных лиц. В композиции нет резких движений, и ощущение динамики создается ритмом цветовых пятен. Интересна пространственная организация картины: первый план дан сверху, сидящие фигуры не заслоняют танцующих. На многочисленных портретах преобладают дети и молодые девушки, в этих портретах раскрылось его мастерство: «Мальчик с кошкой», «Девушка с веером».


Активный участник всех выставок Эдгар Дега (1834 - 1917), был далек от всех принципов импрессионистов: был противником пленэра, не писал картины с натуры, не стремился уловить характер различных состояний природы. Значительное место в творчестве Дега занимает серия картин с изображением обнаженного женского тела. Множество его картин последних лет посвящено «женщине за туалетом». Во многих произведениях Дега показывает характерность поведения и облика людей, порожденную особенностями их быта, выявляет механизм профессионального жеста, позы, движения человека, его пластическую красоту («Гладильщицы», «Прачки с бельем»). В утверждении эстетической значимости  жизни людей, их обыденных занятий сказывается своеобразный гуманизм творчества Дега. Искусству Дега присуще соединение прекрасного, порой фантастического, и прозаического: передавая во многих балетных сценах праздничный дух театра («Звезда балета», «Балетная школа», «Урок танцев»).


Постимпрессионизм охватывает период с 1886 г., когда состоялась последняя выставка импрессионистов, на которой были впервые представлены работы неоимпрессионистов, до 1910-х гг., возвестивших о рождении совершенно нового искусства в формах кубизма и фовизма. Термин «постимпрессионизм» ввел в обиход английских критик Роджер Фрай, выражая общее впечатление об устроенной им в Лондоне в 1910 г. выставке современного французского искусства, на которой были представлены работы Ван Гога, Тулуз-Лотрека, Сёра, Сезанна и других художников.
Постимпрессионисты, многие из которых ранее примыкали к импрессионизму, начали искать методы выражения не только сиюминутного и преходящего — каждого мгновения, они стали осмысливать длительные состояния окружающего мира. Для постимпрессионизма характерны разные творческие системы и техники, повлиявшие на последующее развитие изобразительного искусства. Работы Ван Гога предвосхитили появление экспрессионизма, Гоген проложил путь к модерну.
Винсент Ван Гог (1853-1890) создавал максимально яркие  художественные образы путем синтеза (соединения) рисунка и цвета. Техника Ван Гога – это точки, запятые, вертикальные черточки, сплошные пятна. Его дороги, грядки и борозды действительно убегают вдаль, а кусты горят на земле, как костры. Он изображал не один схваченный миг, а непрерывность мигов. Он изображал не данный эффект согнутого ветром дерева, а самый рост дерева из земли.. Все случайное Ван Гог умел претворить в космическое. Душа Ван Гога требовала ярких красок, он постоянно жаловался брату на недостаточную силу даже его любимого ярко-желтого цвета.
«Звёздная ночь» была не первой попыткой Ван Гога изобразить ночное небо. В 1888 году в Арле он написал «Звёздную ночь над Роной». Ван Гог хотел изобразить звёздную ночь как пример силы воображения, которое может создать более удивительную природу, чем та, которую мы можем воспринять при взгляде на реальный мир.

Обостренное восприятие действительности и душевная неуравновешенность приводят Ван Гога к психическому заболеванию. Гоген приезжает погостить в Арль, но творческие разногласия вызывают ссору. Ван Гог кидает стакан в голову художника, затем, после заявления Гогена о намерении уехать, бросается на него с бритвой. В припадке сумасшествия вечером этого же дня художник отрезает себе ухо («Автопортрет с перевязанным ухом»).


Творчество Поля Гогена (1848-1903) неотделимо от его трагической судьбы. Самым важным в стилистической концепции Гогена было его понимание цвета. На о. Таити, куда художник уехал в 1891 г., под влиянием примитивных форм полинезийского искусства он писал картины, отличающиеся декоративностью, плоскими формами и исключительно чистыми цветами. «Экзотическая» живопись Гогена – «А ты ревнуешь?», «Ее зовут Вайраумати», «Женщина, держащая плод» - отражает не столько природные качества предметов, сколько эмоциональное состояние художника и символический смысл задуманных им образов. Особенность живописной манеры Гогена состоит в ярко выраженной декоративности, стремлении закрашивать одним цветом большие плоскости холста, в любви к орнаментике, которая присутствовала и на тканях одежда, и на коврах, и в пейзажном фоне.

Поль Гоген "Когда же замуж" "Женщина держащая плод"

Важнейшим достижением культуры XIX в. является появление искусства фотографии и дизайна. Первый в мире фотоаппарат был сделан в 1839 году Луи Жак Манде Дагером.
Ранние попытки Дагера сделать работоспособную камеру были неудачными. В 1827 году он встретился с Жозефом Ньепсом, который тоже пытался (и к тому времени добился немного большего успеха) изобрести фотокамеру. Через два года они стали партнерами. В 1833 году Ньепс умер, но Дагер упорно продолжал трудиться. К 1837 году он наконец смог разработать практическую систему фотографии, названную дагеротипией. Изображение (дагеротип) получали на серебряной пластинке, обработанной парами йода. После экспонирования в течение 3-4 часов пластинку проявляли в парах ртути и фиксировали горячим раствором поваренной соли или гипосульфита. Дагеротипы отличались очень высоким качеством изображения, но можно было получить только один снимок.
В 1839 году Дагер опубликовал свое изобретение, но не оформил патент. В ответ французское правительство назначило ему и сыну Ньепса пожизненные пенсии. Объявление об изобретении Дагера вызвало большую сенсацию. Дагер стал героем дня, на него обрушилась слава, а метод дагеротипии быстро нашел широкое применение.
 Развитие фотографии привело к пересмотру художественных принципов графики, живописи, скульптуры, соединило художественность и документальность, что не достижимо в других видах искусства. Основу дизайну положила Международная промышленная выставка в Лондоне в 1850 г. Ее оформление знаменовало сближение искусства и техники и положило начало новому виду творчества.

Луи Дагер, Нисефор Ньепс и камера-обскура Ньепса

Джозеф Нисефор Ньепс. Первая в мире фотография, сделанная на сплаве олова со свинцом, 1826 год.

Снимок Дагера «Студия художника», 1837 г

В 1870-ых годах два изобретателя Илайша Грей и Александр Грехем Белл независимо друг от друга разработали устройства, которые могли передавать речь посредством электричества, которые в последствии назвали телефоном. Они оба направили соответствующие патенты в патентные бюро, разница в подаче заявок была всего лишь в несколько часов. Однако, Александр Грехем Белл) получил патент первым.
Телефон и телеграф являются электрическими системами, основой которых являются провода. Успех Александра Белла, точнее его изобретения, был вполне закономерным, так как, изобретая телефон, он пытался усовершенствовать телеграф. Когда Белл начал экспериментировать с электрическими сигналами, телеграфом уже пользовались как средством коммуникации в течение приблизительно 30 лет. Несмотря на то, что телеграф был достаточно успешной системой передачи информации, основанной на азбуке Морзе с её отображением букв с помощью точек и тире, тем не менее, большой минус телеграфа заключался в том, что информация была ограничена получением и отправкой одного сообщения одновременно.

Александр Белл говорит в первую модель телефона


Первый телефон, созданный Александром Грехемом Беллом представлял собой устройство, через которое звуки речи человека передавались при помощи электричества (1875 год). 2 июня 1875 года, Александр Грехем Белл, экспериментируя со своей техникой, которую он назвал "гармонический телеграф" обнаружил, что он может услышать звук по проводу. Это был звук часов.
Самый большой успех Белла был, достигнут 10 марта 1876 года. Разговаривая с помощью трубки со своим помощником, Томасом Уотсоном, который находился в соседней комнате, Белл произнес слова, которые сегодня известны всем "Mr. Watson -- come here -- I want to see you" (Мистер Уотсон – идите сюда - я хочу видеть Вас). В это время не только родился телефон, но и умер многократный телеграф. Потенциал коммуникаций, заключенный в демонстрации того, что можно было поговорить благодаря электричеству, сильно отличался оттого, что мог предложить телеграф с его системой передачи информации при помощи точек и тире.

Понятие кинематограф появилось впервые в его французском варианте -- «синематограф», обозначавшем систему создания и показа фильма, разработанную братьями Луи Жаном и Огюстом Люмьер. Первый фильм был снят при помощи кинокамеры французом Луи Эме Огюстеном Ле Принеси (1842--1890гг) в ноябре 1888 года в Великобритании и состоял из двух фрагментов: в первом -- 10-12 картинок в секунду, во втором -- 20 картинок в секунду. Но официально считается, что кинематограф берёт своё начало 28 декабря 1895 года. В этот день в индийском салоне «Гран-кафе» на бульваре Капуцинов (Париж, Франция) состоялся публичный показ «Синематографа братьев Люмьер». В 1896 году братья совершили мировое турне со своим изобретением, посетив Лондон, Нью-Йорк, Бомбей.
Луи Жан Люмьер окончил промышленную школу, был фотографом и работал на фабрике фотоматериалов, принадлежавшей отцу. В 1895 Люмьер изобрёл киноаппарат для съёмки и проекции "движущихся фотографий". В его работе по изобретению кинематографа принимал активное участие его брат Огюст Люмьер. Аппарат был запатентован и получил название кинематограф. Первые кинопрограммы Люмьера демонстрировали сценки, снятые на натуре: "Выход рабочих с фабрики Люмьера", "Прибытие поезда", "Завтрак ребёнка", "Политый поливальщик" и другие. Интересно, то что слово lumiere по-французски означает "свет". Может быть это случайность, а может судьба создателей кинематографа была решена заранее.

 

Вопросы и задания:

После знакомства с представленными материалами необходимо выполнить проверочные и контрольные задания, представленные здесь же. В случае необходимости, контрольные материалы отсылаются на электронную почту преподавателя по адресу:cherenova.ts@rambler.ru

Иллюстрации

 

Рис. 1 Эйфелева башня

Рис. 2 Эжен Делакруа

Рис. 3 Франциско Гойя

Рис. 4 Эдуар Мане

Рис. 5 Клод Моне

Рис.6 Пьер Огюст Ренуар

Рис. 7 Винсент Ван Гог. Автопортрет

Рис. 8 Винсент Ван Гог. Автопортрет с отрезанным ухом

Рис. 9 Поль Гоген

Рис. 10 Карл Бенц и первый автомобиль